El artista, el espectador y el subconsciente.

Todo acto creativo está almacenado en el subconsciente, que proyecta el deseo constructivos de las metas en la vida.
Las emociones constructivas son aquellas que contribuyen al bienestar de las personas.
El artista es imaginación y libertad, sin ellas no produce arte.

DOMINGO 11 AGOSTO 2024

Un artista crea imágenes que manifiestan emocionalmente diálogos, que son elemento de la habilidad del arte para reconocer y gestionar emociones propias y ajenas en los diferentes criterios que produce la obra de arte, donde el subconsciente lo atrapa y su conciencia intuye la percepción de los mensajes simbólicos, en sueños y recuerdos del azar, almacenados en su subconsciente que emanan hacia su conciencia, en un acto analítico, autocrítico, individualizado, para crear un diálogo entre el espectador, el artista y la obra, crean recuerdos internos que sensibilizan sus sentidos y le producen pensamientos.

El pintor es un cúmulo de sentimientos producto de su sensibilidad artística que es fundamental para que artistas y espectadores por igual, les permite conectar con el mensaje que se transmite en cada obra de arte. En el contexto del arte, la sensibilidad se relaciona con la capacidad de entender aspectos subjetivos como la armonía, la perfección y la belleza, vinculándolos con nuestras vivencias y experiencias personales.

El concepto de sensibilidad en el arte se refiere a la capacidad de un creador o un espectador de expresar, percibir o conmoverse con los contenidos profundos y comunes de la humanidad. También es la facultad intrínseca para desarrollar el gusto estético, que se deleita al admirar diversas obras de arte. Gracias a esta sensibilidad, somos capaces de percibir la belleza a través de nuestros sentidos, apreciando formas, colores y la armonía que provoca.

Los humanos tenemos la capacidad de percibir y experimentar emociones propias y ajenas, así como las sutilezas de la vida y adivinar sus misterios en la que el artista desarrolla facultades creativas, alimentándose con enseñanzas como; la observación, los estudios estéticos de la anatomía humana, disciplina como el dibujo, práctica la pintura, el estudio de la herencia de la pintura, consulta libros de fotografía y contempla pinturas, para adquirir conocimientos, que es la capacidad que tiene el pintor para identificar, analizar y observar lo que sucede en la realidad y lo utiliza para su beneficio en la producción de formas, de atmósferas, de contraste en matices de luces y de sombras, etc….

Según Hegel, el arte es un vehículo cognitivo que nos permite explorar la naturaleza humana y su desarrollo a lo largo de la historia. Las lecciones sobre filosofía del arte ofrecen reflexiones sobre la belleza, la obra de arte, la creatividad y la función formadora y social del arte. En ellas, Hegel considera el arte como un producto de la conciencia humana en búsqueda de sí misma, un medio para el autoconocimiento y la emancipación.

Además, la imaginación desempeña un papel crucial en este proceso, ya que constituye un peldaño hacia la libertad y el autoconocimiento del espíritu. Así, la libre forma y el libre contenido en el arte son fundamentales en la estética hegeliana. En la filosofía hegeliana, la estética es vista como una disciplina que se dedica a la contemplación de la belleza y el arte. Hegel argumenta que la belleza no es simplemente algo subjetivo, sino que tiene una dimensión objetiva que se refleja en la obra de arte misma.

El desarrollo de sus facultades sensitivas en los pintores son fascinantes, me refiero a las capacidades cognitivas y mentales que posee como ser humano para solucionar problemas, dudas, o misterios desconocidos para resolver los actos creativos. El acto creativo se refiere a la capacidad o habilidad del ser humano para inventar o crear cosas, ya sean objetos físicos, ideas, representaciones o simplemente fantasías, es una forma de pensamiento original, flexible y fluido que nos permite procesar y reformular la información de maneras novedosas

La principal fuente donde se obtiene el razonamiento lógico para tener habilidad para analizar la información del objeto artístico de estudio, e identificar el modelo de referencia y llegar a conclusiones basadas en evidencia para construir la imagen, son los órganos sensoriales, Los sentidos son el mecanismo fisiológico de la sensación, y permiten obtener información de lo que está a nuestro alrededor así como determinados estados internos del organismo.

Mediante el ejercicio constante perfecciona la coordinación motriz, ejercitando el aprendizaje alimentando el subconsciente que termina con naturalidad en las expresiones cuando plasma imágenes el artista en el lienzo.

La espontaneidad subconsciente desempeña un papel fundamental en la creación. La espontaneidad en la creación artística es esencial. Permite que los pensamientos y las imágenes fluyan sin restricciones, ni filtro, capturando la esencia del interior del conocimiento del pintor que expresa en su obra.

La espontaneidad subconsciente en la pintura desafía lo convencional y nos permite explorar territorios inexplorados en el arte, revelando verdades ocultas que de otro modo permanecerán inaccesibles y que el hacedor de imágenes revela inconscientemente al plasmarlas en la pintura.

Freud definió al artista como aquel que encuentra el camino de regreso a la realidad y como aquel que posee la facultad de dar forma a un material hasta que se convierte en una copia fiel de la representación de su fantasía. Sugirió que artistas y analistas estamos muy relacionados, pues ambos trabajamos sobre el mismo objeto, aunque cada uno con un método diferente: el psicoanalista a través del análisis y el artista con su obra. El movimiento exploraba el inconsciente humano y los sueños como fuentes de conocimiento

El artista necesita de un elemento sustancial que es su subconsciente qué son los recuerdos de su memoria y, también tener la capacidad para retener y recuperar información que es fundamental para la construcción de diálogos y mono diálogos interpersonales en la edificación de ideas principalmente, para construir composiciones, relacionar personajes que brotan de su subconsciente espontáneamente.

Producir creatividad para tener habilidad para generar ideas originales y soluciones innovadoras auténticas que modifiquen sus patrones comunes por otras alternativas de imaginación constructiva, en pensamientos productivos que estén en movimiento continuo y en una dinámica con el lenguaje de la libertad, desarrollándose y transformándose constantemente. El arte y la libertad están entrelazados, y su exploración nos lleva a comprender más profundamente nuestra condición humana. Tener la capacidad de atención y concentración para enfocarse en una tarea específica y evitar distracciones, el artista necesita silencio un ambiente preparado herramientas, colores, luz y paz interior.

Los personajes en una obra de pintura son elementos que tienen la intención de la representación para evaluar información de manera objetiva y cuestionar la realidad, que mediante reflexiones manifiestan el contexto histórico para representarlo, que el objetivo es sensibilizar al individuo para que este pueda comprender la realidad indirectamente a través de su subconsciente.

Los personajes son elementos fundamentales en cualquier obra artística. Son quienes impulsan la trama, generan interés en el público y exploran temas más amplios.

La creación de personajes requiere atención a detalles como sus características físicas y psicológicas, su trasfondo y sus relaciones con otros personajes. Además, en la historia del arte, los pintores han representado personajes en sus obras, desde figuras históricas hasta personas anónimas.

La función de los personajes en la pintura puede variar según el contexto y la obra específica. Por ejemplo: “Las Meninas” de Diego Velázquez: Este famoso cuadro representa a la infanta Margarita, hija del rey Felipe IV, en el taller del pintor. Velázquez juega con luces, sombras y perspectivas para crear la ilusión de estar dentro del cuadro. Hay dos interpretaciones principales: La primera: Sucesión del trono, algunos creen que es una expresión de la esperanza por la sucesión del trono español. Alegoría de la pintura: Otros ven el cuadro como un triunfo de la pintura, destacando la separación entre arte y artesanía.

Los personajes en una pintura pueden expresar emociones, transmitir mensajes o representar temas. A través del color, la composición y los elementos visuales, los artistas comunican sus sentimientos y experiencias al espectador. Los personajes en la pintura pueden ser mucho más que simples figuras; a menudo, encierran significados profundos y simbólicos.

El contexto histórico es un concepto que se utiliza en las ciencias sociales para definir el conjunto de circunstancias y situaciones en las que se encuentra un objeto de estudio. Es una noción que apunta a comprender qué rasgos de la sociedad, la política y la economía afectan o influyen en el objeto, obra o evento que se está estudiando.