Reseña: entre la música y el surrealismo se encuentra la pintura ritual de Adela Calderón

SABADO 05 SEPTIEMBRE 2026

POR JACK RO

Adela Calderón, artista visual mexicana, fusiona realismo mágico y abstracción para explorar y experimentar las corrientes del arte moderno. Su obra, de un lenguaje cromático y simbólico, transforma el cuerpo y el sonido en metáforas espirituales, proyectando el surrealismo mexicano hacia una dimensión universal dominante.

CD. JUAREZ, CHIH.-Adela Calderón, artista visual originaria de Guadalajara, radicó un tiempo en Ciudad Juárez, y formó parte del Jardín del Arte que se reunía en el INBA, se ha consolidado como miembro activo del Colectivo Arte Juárez, donde su obra dialoga con la identidad plástica de la frontera. Su pintura se caracteriza por un lenguaje que combina elementos del realismo mágico con la abstracción contemporánea, buscando siempre provocar una conexión emocional con el espectador.

En su trayectoria ha expuesto tanto en México como en el extranjero, con presencia en Japón, Francia, España y próximamente en Italia, lo que le ha permitido proyectar la plástica mexicana hacia escenarios internacionales. Esta proyección refuerza la idea de que el arte nacional, puede trascender lo local y convertirse en un discurso universal.

Calderón representa el surrealismo de nuestra cultura mexicana. En Ciudad Juárez: una artista que transforma influencias externas en un discurso plástico propio, sensible y con proyección internacional. Su vida y obra se inscriben en su relación con los artistas y en el arte fronterizo, consolidando un ejemplo de cómo la frontera se convierte en espacio de creación, encuentro y proyección cultural.

El lenguaje cromático de los colores de la pintura son el eje estructural del discurso. El rojo del cuerpo izquierdo simboliza la energía vital, la pasión y el sacrificio, mientras el verde azulado del cuerpo derecho evoca equilibrio, introspección y renovación. El plateado de la campana introduce un elemento de sacralidad y resonancia espiritual: refleja la luz y actúa como mediador entre lo humano y lo trascendente. El fondo multicolor, con espirales y círculos, sugiere un campo vibracional, una atmósfera sonora donde el color se convierte en frecuencia.

El contraste entre cálidos y fríos crea una dialéctica entre impulso y reflexión, entre cuerpo y espíritu.
La forma y la estética de los personajes de las figuras humanas, desprovistas de rostro, son símbolos universales del ser. Su postura danzante, casi ritual, expresa movimiento interior más que físico. La campana que sustituye sus cabezas representa la voz del alma, el eco de la conciencia colectiva.

La estética se inscribe en una corriente surrealista simbólica, donde lo corporal se fusiona con lo metafísico. La corriente estética y técnica de la obra pertenece al surrealismo contemporáneo con matices expresionistas.

La textura pictórica y el uso de veladuras generan una sensación de profundidad psicológica. La geometría del fondo, con círculos concéntricos, recuerda la iconografía mandálica, asociada al equilibrio cósmico. La pincelada libre y la saturación cromática revelan una intención de transmitir estados de conciencia, no realidades visibles.

La atmósfera es ritual y sonora en el espacio parece vibrar, como si la campana emitiera una frecuencia que afecta a todo el entorno. Los círculos y espirales del suelo evocan ondas acústicas o energías en expansión, creando una escena de trance o comunión.

La simbología de cada elemento funciona como signos empecemos con la campana símbolo de llamada, despertar, resonancia espiritual. Los cuerpos dualidad del ser: masculino/femenino, acción/contemplación. Las cintas rojas son vínculos, energía vital, conexión entre planos. Los círculos del fondo son ciclos de existencia, repetición, eternidad.

Las simbologías revelan una estructura de comunicación entre lo humano y lo divino, donde el sonido y el color son lenguajes del alma.

Iconográficamente, la obra remite al arquetipo del ritual: dos seres que sostienen el símbolo del llamado espiritual. Iconológicamente, representa la unidad de los opuestos —la integración de fuerzas complementarias que sostienen el mundo. La campana, como objeto sagrado, se convierte en metáfora de la conciencia colectiva, del eco interior que une a los seres.

Desde una lectura de la interpretación de la pintura encarna la filosofía del sonido como conciencia. El artista propone una visión donde el cuerpo es instrumento y la campana, mente resonante.

La obra invita a reflexionar sobre la vibración del ser, la armonía entre materia y espíritu, y la danza como acto de revelación. En esencia, esta pintura es una sinfonía visual del despertar interior: el color vibra, la forma danza, y el símbolo suena.

La pintura muestra dos figuras humanas —una en tonos rojizos y otra en azul verdoso— que comparten una gran campana metálica como cabeza. Las figuras parecen danzar o moverse en sincronía, envueltas por cintas rojas y un fondo de patrones circulares y geométricos multicolores.

La campana, elemento central, está ricamente ornamentada con motivos florales y geométricos, símbolo de resonancia, llamado y trascendencia. Las cintas rojas sugieren energía vital, conexión o vínculo espiritual.

El movimiento corporal, casi ritual, evoca una danza de equilibrio entre opuestos: masculino y femenino, materia y espíritu, sonido y silencio.

La lectura iconológica desde una lectura simbólica, la obra puede interpretarse como una metáfora de la conciencia compartida. Las dos figuras, unidas por una sola campana, representan la dualidad humana —la coexistencia de cuerpos distintos bajo una misma mente o destino.

La campana, tradicionalmente asociada al llamado divino o al despertar espiritual, aquí se convierte en símbolo de unidad sonora y mental: un eco que resuena entre dos seres.

El fondo, con sus círculos concéntricos y mosaicos cromáticos, sugiere el flujo de energía y pensamiento, como ondas que se expanden desde el sonido hacia el espacio.

La artista articula una visión donde el cuerpo y el símbolo se funden, recordando la estética surrealista de Remedios Varo y la espiritualidad plástica de Leonora Carrington.

La interpretación de la obra puede leerse como una reflexión sobre la comunicación y la resonancia interior. La campana no solo suena hacia afuera, sino hacia adentro: representa la voz interior, la conciencia que vibra entre dos polos del ser.

Las figuras danzantes encarnan el movimiento de la vida, la búsqueda de armonía entre lo físico y lo espiritual. El color rojo y azul, en diálogo constante, simboliza la tensión entre pasión y serenidad, entre impulso y contemplación.

La pintura invita al espectador a pensar en la interdependencia: cómo cada individuo es eco del otro, cómo la identidad se construye en relación y no en aislamiento.

Técnicamente, Calderón demuestra un dominio notable del color y la composición. La textura metálica de la campana contrasta con la suavidad orgánica de los cuerpos, generando una tensión visual que sostiene el discurso simbólico.

El uso de patrones circulares y líneas ondulantes crea una sensación de ritmo y vibración, reforzando la idea de sonido y movimiento.

La obra se inscribe en una estética neo-simbólica, donde el objeto cotidiano se transforma en emblema espiritual.

La pintura destaca por su capacidad de integrar lo figurativo y lo abstracto en una narrativa coherente. La artista logra un equilibrio entre técnica y concepto, evitando caer en lo meramente decorativo.

No obstante, podría explorarse una mayor apertura en la relación entre figura y fondo: el espacio geométrico, aunque dinámico, tiende a absorber parte de la energía corporal. Una mayor interacción entre ambos planos potenciaría la sensación de expansión sonora.

Desde una mirada introspectiva, la obra plantea el desafío de trascender la metáfora del sonido hacia una poética más universal. Calderón logra una síntesis poderosa entre cuerpo y símbolo, pero su discurso podría evolucionar hacia una exploración más directa de la identidad colectiva y la memoria cultural de la frontera.

El riesgo —y también la virtud— de su pintura es su densidad simbólica: exige del espectador una lectura activa, una disposición a escuchar el silencio detrás del color.

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